El peor enemigo de un guion

Existen muchos aspectos a mejorar en un guion. Versión a versión vamos puliendo, sacando y poniendo cosas para mejorar la historia. Sin embargo, uno de los errores más frecuentes y que a veces dejamos pasar no son los problemas con la historia, sino con los diálogos. Con el afán de dejar todo claro y que no haya espacio a dudas, terminamos sobre explicando cada escena y es ahí donde los diálogos son los que más sufren. Terminamos con diálogos del tipo “Acabo de llegar de la tienda y estoy muy cansada”, cuando claramente en imagen veremos que el personaje está con sus bolsas de compra y está agotada. 

Para evitar estos “diálogos explicativos” podemos hacer lo siguiente:

• Atención el tono y la verosimilitud del guion. Si los personajes no tienen la costumbre de sobre explicar las cosas, entonces no es necesario el uso de este tipo de diálogo. 

• ¡Usemos el subtexto! Podemos dar información a través de gestos, expresiones o frases no explícitas.

• Si el diálogo puede reemplazarse por acciones, entonces hagámoslo. Si puede ser visto, entonces el diálogo es redundante.

• Leamos el guion en voz alta. Esto nos ayuda a darnos cuenta si suena natural o no. 

Hay diálogos explicativos y largos que aparentemente no dan información relevante. Por ejemplo, en Reservoir Dogs, toda la secuencia inicial de 8 minutos es un diálogo gigante sobre Madonna y sobre darle o no propina a la mesera. Esto no tiene conexión con la historia. Sin embargo, estos diálogos sin sentido revelan una serie de características de los personajes y generan interés respecto a quiénes son, qué hacen, etc. Esto es un ejemplo de cómo romper las reglas a propósito, para el beneficio de la historia. 

Al final, todo lo que se escribe debe ser en beneficio de la historia, que ayude a que la trama avance o se refuerce. Evitemos los diálogos explicativos y si al final decidimos usarlos, hay que pensar en cómo van a aportar al guion.

XOXO

Rebeca Venegas
Productora - Guionista

El tono vs. el género

En nuestros años como productora audiovisual hemos tenido la oportunidad de dar charlas en diferentes universidades e institutos de Perú sobre distintos temas como iluminación, dirección, guion, storytelling entre otros. Normalmente cuando hablamos sobre tratamientos y guión, una duda que recibimos a menudo es la diferencia del tono con el género.

Es común confundir el tono con el género. Se parecen mucho, pero definirlos es fundamental para escribir un guion. El tono es aquello que permite qué es lo que puede pasar en la historia, es un elemento de coherencia interna y verosimilitud. Es decir, de acuerdo con el tono que elijamos, la historia va a “aguantar” el contenido que pongamos en ella. 

El tono afecta directamente a los personajes, sus acciones y diálogos. Definirlo va a determinar la forma de narrar. Así como en la música, los tonos graves evocan distintas sensaciones respecto a los tonos más agudos. En el guion sucede lo mismo, si elegimos un tono absurdo la historia transmitirá distintas emociones respecto a un tono parco o serio, independientemente del género. 

Como vimos previamente, el tono es un elemento de coherencia interna. Por lo que romperlo implica “sacar” al espectador de lo que está viendo. Esto suele suceder, por ejemplo, cuando en películas del género de terror, se incluye algún gag que “saca” al espectador por un momento del tono serio de la película. Es posible romper el tono, pero se debe evaluar las consecuencias que tendrá en el espectador y hacer un balance si vale la pena hacerlo, siempre pensando en el beneficio de la historia. 

Es interesante aplicar el concepto del tono a la hora de construir los personajes, ya que nos ayuda a desarrollar sus características de forma más orgánica. Evaluar el tono del personaje respecto al tono general de la película nos puede ayudar a definir cómo se va a manifestar dentro de la historia, cómo va a hablar, cómo se va a mover, qué puede hacer y qué no.

El tono es una herramienta que puede servir para dar unidad a todos los aspectos del guion.

Rebeca Venegas
Productora - Guionista

Bicitips: ¡Mejora tus videollamadas!

Las últimas semanas he recibido varias preguntas sobre cómo pueden mejorar la calidad de sus videollamadas y streamings. Para muchas personas, esto es un territorio completamente nuevo. A veces suelo pensar que soy un poco “extra” cuando se tratan de estas cosas porque siempre me gusta tener una buena calidad de imagen, sea el dispositivo que sea.

Ahora con Zoom, Skype, FB Live y otras plataformas las videollamadas están más presentes en nuestra vida diaria que nunca. Es tiempo de tomar en cuenta el lenguaje audiovisual y lo que la cámara puede decir de ti.

Sé que habrá mucha variedad de personas que lean estos tips, así que he considerado en la lista varias opciones para cubrir a gran variedad de posibilidades. Ojo, no tienen que utilizar todo lo que diga en este post. Mucho depende en qué tanto quieras entrar al tema (o impresionar a tus familiares, amigos y compañeros de trabajo) y claro, el presupuesto. Así que empezamos.

Pon la cámara a la altura de tus ojos. Este sea tal vez el tip más fácil de implementar de la lista. (nadie quiere ver el interior de tu nariz) Al tener la cámara a la altura de los ojos, no sólo una posición más natural, te hará ver muchísimo mejor en cámara. (Evita mostrar el techo de tu casa)

Ten en cuenta la distancia de la cámara. Los teléfonos, laptops y webcams suelen tener un lente bastante angular. Así que tu distancia de ellas es muy importante. Si estás muy cerca, te verás todo distorsionado mientras si estás muy lejos será difícil verte con claridad. Usando una silla trata de estar en una distancia media y que se vea parte de tus hombros y tu cabeza entera. (Un plano medio es excelente, además podrás usar tus manos para poder expresarte mejor)

Atento al fondo. El fondo dice mucho de tí ( y aunque no lo creas las personas si te están juzgando). Elige un fondo limpio y ordenado para evitar distracciones y se concentren en tí. (Mientras más simple mejor). Aprovechando que estamos hablando del fondo, trata de no tener ventanas extremadamente luminosas detrás tuyo porque eso confundirá a la cámara y no se te podrá ver claramente. ¿Quieres algo más “formal o “profesional”? Puedes utilizar un fondo de papel o tela.

(Entre nos, también podrías usar una gran cartulina de tu color favorito)

El sonido es super importante. Seamos realistas (todos los sonidistas tienen razón), el video puede fallar, se puede congelar, pixelear y etc; pero lo más importante es que se te escuche fuerte y claro. Si bien tu compu o teléfono tienen el micrófono y parlantes incorporados no siempre tienen la mejor calidad. Para que te escuchen fuerte, claro y separarte de los sonidos del ambiente, es necesario tener el micrófono cerca. Si tienes un par de audífonos con micrófono o un micrófono dedicado via USB (Como el BLUE YETI o el RODE NT-USB) es perfecto. (Si tienes un micrófono lavalier y lo quieres usar con tu computadora, probablemente vayas a necesitar un splitter)

Los AirPods y otros audífonos inalámbricos tienen micrófonos, pero lo crean o no, los audífonos con cable tienen mejor audio (en el sentido que está mejor posicionados). Recuerden que en las videollamadas es bueno que escuches la conversación con audífonos porque no sólo podrás escuchar mejor, si no que evitarás el famoso feedback loop y el acople (Ese molesto chirrido y el eco).

Iluminación. Esta es mi parte favorita, la luz es clave para una buena fotografía y para video lo mismo aplica. Durante el día y tienes una ventana cerca ¡Perfecto!. De preferencia que la ventana esté frontal o te caiga de costado.

Si es de noche o no tienes una ventana, aquí es donde se pone interesante. Es muy probable que tengas una pared blanca cerca, aprovechemos eso para que sirva de rebote. Busca una fuente de luz, que puede ser un de esas lámparas de escritorio y apuntalo hacía ahí (la luz rebotará en la pared y te caerá de manera agradable en tu rostro). También podrías traer una lámpara cerca a tí o si tienes alguna de esas lámparas de papel es perfecto ya que genera una luz suave y agradable. Si tienes algo más de presupuesto (o eres audiovisual) puedes usar un ringlight, softbox o una luz led más profesional como de Aputure, Dedolight o Kinoflo. (Trata que el foco que uses sea la misma temperatura que el resto de tu habitación o prioriza las que sea luz de día (5500K) ).

¡BONUS TIP! Recientemente Canon ha lanzado un software que permite que uses tu DSLR Canon o alguna de las cámaras Canon compatibles como webcam por medio de un cable USB! Eso aumentará bastante tu calidad de imagen y hasta podrás jugar con diferente tipos de lentes y profundidad de campo. Puedes bajarlo aquí. (PD: Si usas esto, probablemente vayas a querer tener las baterías bien cargadas o un adaptador dummy para conectar tu cámara a la pared)

¡Tu DSLR como webcam!

¡Esperamos que estos tips te sirvan y lleven tus videollamadas al siguiente nivel! Recuerda, si quieres buscas una productora para mejorar tus clases online o streams y darles más valor de producción para que tu audiencia esté más enganchada, puedes contactarnos en info@bicicleta.com.pe .

Daniel R. Chang Acat
Director

Bicicleta en cuarentena ¿Cómo funciona una productora de videos en tiempos de COVID?

En Bicicleta hacemos contenido para medios digitales, producción de videos, animación y diseño. Con la aparición del Covid-19, muchas personas y empresas en distintos rubros “no esenciales” se han visto afectadas. Al principio, ante la incertidumbre de no saber lo que iba a pasar, nos estacamos y no nos da vergüenza decirlo, ya que en esta situación tan peligrosa e inusual es normal y hasta humano no saber qué hacer. 

Muchos de nuestros amigos y clientes saben que en Bicicleta tenemos un lema que es “Siempre en movimiento”. Imaginen lo extraño que fue, luego de 5 años de estar siempre en movimiento, detenernos. Por lo menos, así lo sentimos al principio.

Aquí un pequeño storytime de Bicicleta. Para los que no saben, nosotros creamos Bicicleta cuando estábamos en nuestro último año de la universidad. Desde que la fundamos, nos comprometimos en dar todo de nosotros para que nuestra empresa funcione. De ahí el “Siempre en movimiento”, porque la verdad es que nunca nos detuvimos.

Aún a pesar de tener altos y bajos como empresa, día a día tomamos la decisión de continuar trabajando y aprendiendo para que Bicicleta continúe en movimiento. Podría expandir este blog mil hojas más, explicando todo lo que hemos hecho, lo que hemos aprendido “a la mala” y cuánto hemos cambiado. Sin embargo, creo que el centro del asunto es explicar lo que sucedió cuando inició el Estado de Emergencia. 

Claramente no habría más rodajes y muchos proyectos que teníamos para este 2020 se cancelaron o postergaron. Entonces empezó el pánico. Pero, dentro de este pánico, extrañamente inició la productividad. Pudimos avanzar con www.meetbicicleta.com , un proyecto que teníamos pendiente hace mucho, donde están nuestras producciones originales. Además, aún teníamos trabajo. Debíamos cerrar la post producción de proyectos pre-cuarentena y esto nos ayudó a pensar en nuevas formas de repotenciar el contenido que creamos para nuestros clientes. Aquí nos dimos cuenta de algo súper importante, nosotros venimos creando contenido digital desde que Bicicleta existe y es precisamente ahora cuando este contenido necesita ser más explorado. ¿Por qué?, aquí explico por qué:

• Es un contenido dinámico y de duración corta

• Es inmediato: dinamismo + duración corta = entrega más rápida

• Se necesita una menor cantidad de operadores para las grabaciones

• Si es animación, el trabajo puede ser remoto

• Respecto a los medios tradicionales, es un contenido más accesible (es decir, menos costoso y de amplio alcance)

En Bicicleta venimos trabajando de esta forma y utilizando este lenguaje desde el principio. Entonces, ahí fue cuando nos dimos cuenta de que lo único que debíamos hacer era repotenciar nuestra creatividad y enfocar nuestros recursos hacia este tipo de contenido, explorar nuestros procesos y compartirlos con quienes lo necesiten. En otras palabras, compartirlo con nuestros clientes. Sobre nuestros procesos usuales de trabajo, hemos repotenciado nuestros recursos en contenido de animación 2D, hemos añadido la grabación remota y nuevas medidas de seguridad para nuestras grabaciones, que pueden encontrar en nuestro Checklist de seguridad en rodajes. 

Entonces, respondiendo la pregunta de ¿cómo funciona una productora de videos en tiempos de COVID?, para Bicicleta la respuesta la encontramos en potenciar lo que mejor sabemos hacer que es desarrollar contenido dinámico, necesario, inmediato y accesible. 

Si quieres saber más sobre cómo desarrollar contenido digital para tu marca, puedes escribirnos a info@bicicleta.com.pe 

Desde Bicicleta, nos comprometemos a siempre Seguir en Movimiento y no dejar de contar historias.

Animándonos a la animación

If you want to help Dee, Vee and Sy to reach screens all over the world contact us at lovequest@bicicleta.com.pe - More amazing original content from us at w...

Embarcarse en una nueva aventura, fuera del área del comfort, no es tarea fácil. Hace unos años en Bicicleta decidimos empezar nuestro primer proyecto animado: Love Quest.

Para nosotros, qué veníamos de hacer productos live-action, fue un cambio radical. Si bien muchos conceptos y formas son muy parecidas, los procesos y etapas de producción cambian muchísimo. Adiós a la improvisación en el set: todo debe estar calculado desde la pre-producción, y al contrario de lo que se piensa, no puedes cambiar las cosas es post (al menos no de una manera fácil).

Este proyecto se ha estado desarrollando en etapas turbulentas para nosotros. En medio de mudanzas y nuevos clientes que nos exigían constantemente, pero con mucho orgullo podemos decir que pudimos seguir adelante y trabajar en nuestro primer “hijo” animado.

Con Love Quest conocimos muchas personas talentosas que se sumaron a nuestro proyecto y siguen sumando constantemente en los proyectos originales de Bicicleta, así como también en los trabajos por encargo de nuestros clientes ;) . Además nos sigue impulsando a hacer cosas fuera de nuestra área de comfort como hacer un FB Live.

En este viaje hemos aprendido y crecido mucho, no sólo profesionalmente sino también de manera personal y entre nosotros.

Nuestro primer proyecto animado nos dio la satisfacción de ser seleccionados en distintos festivales y talleres internacionales (TIFA Andina, AndealCall, Annecy, Ventana Sur, entre otros); y además ser parte de la industria de la animación. Y lo más importante es que Love Quest nos ha motivado a seguir creando y a apostar por proyectos originales como Gato 8, Doggos VS Aliens, Crisis a los 25 (y otros proyectos que puedes conocer en www.meetbicicleta.com)

Así que sin nada mas que decir en este post, nos despedimos, y los animamos (no pun-intended) a descubrir todo lo que hace Bicicleta Casa Audiovisual. (¡Ah!… Y si te interesa crear una serie original para tu marca o empresa, no dudes en contactarnos)

#descubrebicicleta

Escribiendo el Midpoint

Cuando escribimos una historia, es usual tener claro cómo empieza y cómo termina. Pero, cuando llegamos al medio, es cuando empiezan los problemas a pesar de que lo sabemos de memoria. En el Acto I, se establecen los personajes y conflictos. En el Acto II, se ve el “progreso” y los personajes pasan por obstáculos. Finalmente, en el Acto III, llega el clímax y la historia se resuelve. 

Pero ¿cómo “progresa” la historia? ¿qué obstáculos debería enfrentar el personaje?

Gustav Freytag, en su libro Technique of the drama, cambia el paradigma clásico de la estructura narrativa, colocando el clímax en el Acto II. Su estructura se ve así:

1. Exposición

2. Acción creciente

3. Clímax

4. Acción decreciente

5. Desenlace

Para Freytag, el clímax no es la resolución de la historia. Por el contrario, es un cambio extremo o momento decisivo en la historia. Por ejemplo, en El Caballero de la Noche, el clímax vendría a ser cuando atrapan al Joker, en pleno Acto II. Aparentemente, se logra el objetivo. Sin embargo, esta victoria termina teniendo consecuencias como la muerte de Rachel, lo cual le da una especie de boost a toda la historia, creando más acciones a partir de que Batman (el personaje principal) consigue lo que quiere y a la vez lo pierde. 

Lo que busca esta técnica es construir el midpoint con el propósito de impulsar al personaje hacia la segunda mitad de la historia y que el desarrollo del conflicto no sea solo acciones de causa/efecto. 

Esta estructura no necesariamente funciona para todas las historias, pero es una herramienta que nos puede ayudar para darle un empujón a la trama.

Rebeca Venegas
Productora - Guionista
Mágister en guión para ficción