El tono vs. el género

En nuestros años como productora audiovisual hemos tenido la oportunidad de dar charlas en diferentes universidades e institutos de Perú sobre distintos temas como iluminación, dirección, guion, storytelling entre otros. Normalmente cuando hablamos sobre tratamientos y guión, una duda que recibimos a menudo es la diferencia del tono con el género.

Es común confundir el tono con el género. Se parecen mucho, pero definirlos es fundamental para escribir un guion. El tono es aquello que permite qué es lo que puede pasar en la historia, es un elemento de coherencia interna y verosimilitud. Es decir, de acuerdo con el tono que elijamos, la historia va a “aguantar” el contenido que pongamos en ella. 

El tono afecta directamente a los personajes, sus acciones y diálogos. Definirlo va a determinar la forma de narrar. Así como en la música, los tonos graves evocan distintas sensaciones respecto a los tonos más agudos. En el guion sucede lo mismo, si elegimos un tono absurdo la historia transmitirá distintas emociones respecto a un tono parco o serio, independientemente del género. 

Como vimos previamente, el tono es un elemento de coherencia interna. Por lo que romperlo implica “sacar” al espectador de lo que está viendo. Esto suele suceder, por ejemplo, cuando en películas del género de terror, se incluye algún gag que “saca” al espectador por un momento del tono serio de la película. Es posible romper el tono, pero se debe evaluar las consecuencias que tendrá en el espectador y hacer un balance si vale la pena hacerlo, siempre pensando en el beneficio de la historia. 

Es interesante aplicar el concepto del tono a la hora de construir los personajes, ya que nos ayuda a desarrollar sus características de forma más orgánica. Evaluar el tono del personaje respecto al tono general de la película nos puede ayudar a definir cómo se va a manifestar dentro de la historia, cómo va a hablar, cómo se va a mover, qué puede hacer y qué no.

El tono es una herramienta que puede servir para dar unidad a todos los aspectos del guion.

Rebeca Venegas
Productora - Guionista

Animándonos a la animación

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Embarcarse en una nueva aventura, fuera del área del comfort, no es tarea fácil. Hace unos años en Bicicleta decidimos empezar nuestro primer proyecto animado: Love Quest.

Para nosotros, qué veníamos de hacer productos live-action, fue un cambio radical. Si bien muchos conceptos y formas son muy parecidas, los procesos y etapas de producción cambian muchísimo. Adiós a la improvisación en el set: todo debe estar calculado desde la pre-producción, y al contrario de lo que se piensa, no puedes cambiar las cosas es post (al menos no de una manera fácil).

Este proyecto se ha estado desarrollando en etapas turbulentas para nosotros. En medio de mudanzas y nuevos clientes que nos exigían constantemente, pero con mucho orgullo podemos decir que pudimos seguir adelante y trabajar en nuestro primer “hijo” animado.

Con Love Quest conocimos muchas personas talentosas que se sumaron a nuestro proyecto y siguen sumando constantemente en los proyectos originales de Bicicleta, así como también en los trabajos por encargo de nuestros clientes ;) . Además nos sigue impulsando a hacer cosas fuera de nuestra área de comfort como hacer un FB Live.

En este viaje hemos aprendido y crecido mucho, no sólo profesionalmente sino también de manera personal y entre nosotros.

Nuestro primer proyecto animado nos dio la satisfacción de ser seleccionados en distintos festivales y talleres internacionales (TIFA Andina, AndealCall, Annecy, Ventana Sur, entre otros); y además ser parte de la industria de la animación. Y lo más importante es que Love Quest nos ha motivado a seguir creando y a apostar por proyectos originales como Gato 8, Doggos VS Aliens, Crisis a los 25 (y otros proyectos que puedes conocer en www.meetbicicleta.com)

Así que sin nada mas que decir en este post, nos despedimos, y los animamos (no pun-intended) a descubrir todo lo que hace Bicicleta Casa Audiovisual. (¡Ah!… Y si te interesa crear una serie original para tu marca o empresa, no dudes en contactarnos)

#descubrebicicleta

Escribiendo el Midpoint

Cuando escribimos una historia, es usual tener claro cómo empieza y cómo termina. Pero, cuando llegamos al medio, es cuando empiezan los problemas a pesar de que lo sabemos de memoria. En el Acto I, se establecen los personajes y conflictos. En el Acto II, se ve el “progreso” y los personajes pasan por obstáculos. Finalmente, en el Acto III, llega el clímax y la historia se resuelve. 

Pero ¿cómo “progresa” la historia? ¿qué obstáculos debería enfrentar el personaje?

Gustav Freytag, en su libro Technique of the drama, cambia el paradigma clásico de la estructura narrativa, colocando el clímax en el Acto II. Su estructura se ve así:

1. Exposición

2. Acción creciente

3. Clímax

4. Acción decreciente

5. Desenlace

Para Freytag, el clímax no es la resolución de la historia. Por el contrario, es un cambio extremo o momento decisivo en la historia. Por ejemplo, en El Caballero de la Noche, el clímax vendría a ser cuando atrapan al Joker, en pleno Acto II. Aparentemente, se logra el objetivo. Sin embargo, esta victoria termina teniendo consecuencias como la muerte de Rachel, lo cual le da una especie de boost a toda la historia, creando más acciones a partir de que Batman (el personaje principal) consigue lo que quiere y a la vez lo pierde. 

Lo que busca esta técnica es construir el midpoint con el propósito de impulsar al personaje hacia la segunda mitad de la historia y que el desarrollo del conflicto no sea solo acciones de causa/efecto. 

Esta estructura no necesariamente funciona para todas las historias, pero es una herramienta que nos puede ayudar para darle un empujón a la trama.

Rebeca Venegas
Productora - Guionista
Mágister en guión para ficción

Pitch Perfect: Pasos básicos para que tu pitch sea bueno

Muchas personas olvidan o menosprecian al pitch. La verdad, es que es una de las cosas más importantes de un proyecto. No es una simple exposición o presentación, es esa primera impresión y sobretodo una oportunidad de dar a conocer la historia, pero también a ti como creador. 

Luego de ir a algunos mercados de contenidos, en Bicicleta aprendimos que hay muchas formas de armar/estructurar un pitch. Haciendo un balance general, hemos encontrado que estos 5 pasos son fundamentales para hacer un buen pitch: 

1. Empieza con un gancho. No necesariamente debe ser una broma o una pregunta. Simplemente debe ser algo que llame la atención. Puede ser un hecho, una canción, un meme, una frase, etc. Acá es donde podemos ponernos creativos. Igual, no debería durar mucho. Solo nos sirve para captar la atención y así poder hablar del proyecto. Pd. No te olvides de decir quién eres, di tu nombre y la relación que tienes con el proyecto. (creador, productor, guionista, director, etc.)

2. Evita los textos en la diapositiva. Aprovecha recursos visuales, imágenes, videos, solo frases cortas o keywords. Si la audiencia ve un texto empezará a leerlo, se aburrirá y dejará de prestarte atención. 

3. Practica lo que vas a decir. Se que suena cliché, pero es la mejor forma. Mide tus tiempos, corrige la dicción, entonación y hasta postura. De ser posible, que otra persona te escuche para que te ayude. 

4. Respeta el tono del proyecto. Si tu proyecto es una comedia y el tono es completamente absurdo, entonces tu presentación debería ser divertida y podrías incluir chistes absurdos. La idea es meter a la audiencia en el mundo del proyecto, que conecten con esa historia sin la necesidad de verla como un producto terminado. 

5. No te pierdas en los números. La historia es lo más importante. Enfócate en contar bien la historia, crear un vínculo, inspirar confianza como creador y lograr conectar con la audiencia.

Cuando se hace un pitch dentro del marco de un festival, mercado o tu próxima reunión de trabajo, se debe tomar la oportunidad para dar a conocer tu proyecto, pero principalmente con la finalidad de generar atención y luego tener una segunda reunión con algún productor, ejecutivo o talento que necesitas. 

Y no olvides, ya sea consultoría o diseño gráfico o audiovisual para llevar tu pitch al siguiente nivel, ¡cuenta con nosotros!

¿Cómo empezar un guion?

Muchas veces, al momento de enfrentarnos con una hoja en blanco, se nos hace muy complicado dar ese primer paso y empezar a escribir. Para poder superar este “bloqueo” es importante entender que el guion no es una obra literaria y, por ello, no se puede ser escrita como tal. El guion es una herramienta que no está hecha para ser leída, sino ejecutada. 

Como herramienta, el guion tiene su propio proceso de escritura y parte de algo muy básico que casi siempre damos por sentado: la idea.

¿Qué es una idea?

Es el punto de partida. La idea es la base sobre la cual se construirá el relato. Para poder escribir, es necesario entender la idea como aquella que precede a la narración. Por lo tanto, debe tener ciertas características que nos faciliten el proceso de escritura y es muy importante saber formularla. Veamos algunos ejemplos:

1. La magia

2. La Batalla de Hogwarts

3. Un músico en los 80’s

4. Un chico cena con su amigo

Aunque todas parezcan válidas, solo la idea “Un chico cena con su amigo” está formulada correctamente. ¿Por qué? A pesar de ser extremadamente simple, es la única que implica un movimiento narrativo. En otras palabras, es la única que lleva un verbo. Vamos a ver por qué las otras no nos ayudan tanto.

1. “La Magia” es un poder que puede generar acciones en los personajes, pero por sí sola no puede crear una historia. 

2. “La Batalla de Hogwarts” vendría a ser un marco narrativo, un contexto sobre el cual se desarrolla la historia. 

3. “Un músico en los 80’s” está muy cerca de ser una idea bien formulada, solo le falta la acción.

Todas son ideas, pero para efectos de escribir un guion, debemos tratar de facilitarnos el proceso en todo momento. Por ello, aunque la idea sea lo más básico, es importante escribirla de forma correcta, para que nos sirva cuando avancemos a las siguientes etapas.

Tener la idea clara hoy, nos hará felices cuando escribamos mañana.

XOXO

Rebeca Venegas
Productora y Guionista

¿PORQUÉ TU EMPRESA NECESITA COMUNICACIÓN EN REDES?

Hoy en día, los medios de comunicación no sólo se quedan en medios tradicionales como televisión, radio y prensa, sino también se le ha empezado a dar aún mayor valor  a las redes sociales. Es cierto que vivimos en una generación tecnología, y pasamos mucho tiempo en algún teléfono móvil o computadora al pendiente de las ultimas noticias o la actividad de nuestros contactos en las redes. Es por esto que ahora más que nunca se le toma importancia a la comunicación digital para poder llegar a la mayor cantidad de clientes por un menor costo que en los medios tradicionales. Los videos son la manera más eficaz de hacer llegar un mensaje puntual al consumidor, ya sea para hablarles de la marca, del producto, de algún beneficio o promoción. Es muchísimo más fácil para el consumidor que la publicidad se presente de una manera visual y auditiva que solo como un texto, además de tenerla siempre a disposición y que su distribución sea muchísimo más masivas y efectiva que en un periódico o una revista. Pero, ¿por qué en redes sociales y no en televisión? Si comparamos los precios de producción y distribución entre redes sociales y televisión abierta, es mucho más accesible generar contenido digital para distribución por Facebook, Twitter, Instagram y otras redes, ya que el precio de distribución es nulo y las tarifas de publicidad son muy bajas a comparación de televisión. Además, en televisión abierta, los spots se limitan a 30 segundos, mientras que en medios digitales se puede distribuir material con diferentes duraciones, depende de la necesidad del usuario.La distribución de publicidad en medios digitales se ha vuelto una necesidad, y en Bicicleta trabajamos por solventarla, logrando conectar con los ideales del cliente y transmitir un buen mensaje para los consumidoresDescubre más con Bicicleta Casa Audiovisual
Lorena Romero
Directora de Arte